Камертон № 7

СОВРЕМЕННОЙ  МУЗЫКИ В АСТРАХАНИ

 

 

         Завершился IX Международный фестиваль современной музыки в рамках Всероссийского фестиваля «Панорама музыки России», который проходил с 12 по 16 октября в различных залах города: филармонии, консерватории, музыкального колледжа, ДМШ №1, картинной галереи.

Ставший в свое время весомым дополнением к уже функционировавшим столичным фестивалям, фестиваль «Дни современной музыки в Астрахани» (с различными вариантами названий) отмечает свой двадцатилетний юбилей. Если на первом фестивале (1989 г.) звучали камерные сочинения композиторов двух городов – Москвы и Астрахани, то во втором приняли участие композиторские организации пяти городов России (Москва, Казань, Кострома, Нижний Новгород, Элиста). О динамике, росте популярности фестиваля свидетельствует проходивший в 2006 году VIII фестиваль с его обширной географией (Москва, Санкт-Петербург, Нижний Новгород, Ижевск, Саратов, Махачкала, Челябинск, Волгоград, Кострома), жанровым диапазоном (камерная вокальная и инструментальная музыка, хоровые, оркестровые опусы, духовные сочинения, музыка для детей), солидным исполнительским уровнем (участие композитора и пианиста Ричарда Кэмерона-Вольфа (Таос, США), познакомившего астраханскую публику с сочинениями Лео Орнстейна (Россия – США) и Дейна Редьяра (Франция – США), заслуженного деятеля искусств России Татьяны Сергеевой (Москва, фортепиано), лауреата всероссийских и международных конкурсов Натальи Анчутиной (Москва, домра), когорты лауреатов и дипломантов конкурсов различных рангов из Астрахани и других городов России).

IX фестиваль… Для культурной жизни города – столицы северокаспийского региона – событие важное, значительное, масштабное: семь ярких концертов современной музыки, знакомство и общение с мэтрами и молодыми талантливыми авторами и исполнителями, встречи коллег «по цеху», обмен мнениями, впечатлениями. На фестивале прозвучало около пятидесяти сочинений 28 композиторов из 9 городов России (Москва, Санкт-Петербург, Нижний Новгород, Ярославль, Саратов, Волгоград, Петрозаводск, Ростов-на-Дону, Астрахань) и четырех стран (Украина, Германия, Чехия, США).
12 октября. Честь открытия музыкальных программ фестиваля выпала симфоническому оркестру. Концерт симфонической музыки вобрал разножанровые и разноплановые по содержанию сочинения: Концерт для виолончели, струнного оркестра и ударных Виктора Кожевникова (Ярославль), «Натирающая благовониями» Александра Рындина (Астрахань), Симфония № 1 «Parallels» для камерного оркестра Кармеллы Цепколенко (Одесса, Украина), сюита для симфонического оркестра «Детские игры» Анатолия Климова (Волгоград), сцена «Охота» из балета «Темучин» Юрия Гонцова (Астрахань), Концерт для кларнета с оркестром Юрия Бара-нова (Волгоград), сюита из балета «Коты в сапогах» Владислава Казенина (Москва). В их исполнении участвовали: симфонический оркестр Астраханского государственного музыкального театра (дирижер – заслуженный работник культуры РФ Владимир Алатарцев), солисты – Елена Чудинова (виолончель), лауреат конкурса Юга России Вера Заплесвичко, Евгений Жуков (флейты), лауреат международных конкурсов Виктор Смиховский (кларнет), Гульсара Мухамедова (фортепиано).
Самыми «прогрессирующими» жанрами оказались концерт для солирующих  инструментов с оркестром и сюита, в «гордом одиночестве» предстала камерная симфония, используемая современными композиторами для выражения глубоко личных переживаний, показа личностной позиции происходящих событий. Забегая вперед, отмечу, что индивидуальное раскрывается в сфере образно-содержательного замысла, в концепциях сочинений, стилистике – тематизме, его семантической, интонационной природе, методах развития в сфере звуковысотных, тембровых закономерностей, в технике композиции. Структура сочинений (симфонических, камерных, для оркестра русских народных инструментов) определена противостоянием музыки действия, напора, даже «агрессии» напевному (иногда национально окрашенному) звуковому материалу на уровне интонаций, мотивов, тем. Этот лобовой стык «действия – статики» репрезентируется на уровне идеи, предстает как принцип драматургии в циклических и одночастных композициях. Путь прояснения внетональной картины, путь к ритмической устойчивости, к звучности, способной снять избыточность напряжения, к смене «нейтрального» интонационного материала образно-конкретным – таков драматургический нерв, смысл, «программа», если угодно, многих сочинений. Отсюда техника столкновения «нервно-звуковых», вихревых пассажей, реплик разнородных тембров в музыкальном пространстве звукоткани, обилие разнообразных микромотивных образований на диссонантной основе, ударные приемы, репетиционно-мартеллатная техника, тремоло (звуков, аккордов, фактурного фона, меха), динамические эффекты звуковой (ударной) волны, сменяемые «зонами тишины», сонорные тембровые сочетания, «амплуа» отдельных инструментов… Островки лирики, как правило, вырастают из молчания, рождаются в полосе динамического спада, но, пожалуй, самое позитивное, лирика рождается как состояние высшего озарения, как голос человечности (милосердия, хрупкости, нежности, ранимости), музыка КРАСОТЫ, способной «спасти мир».

Одним из важнейших средств музыкальных композиций, структурирования звуковой материи выступает полифония всех видов: тематическая (эмбриональная, гетерофонная, подголосочная, контрастная, много реже – имитационная), многосоставнaя (тембро-регистровая, комплементарно-сонорная, аккордово-интервальная как размежевание звуков вертикального комплекса, пластовая). Другим активнейшим элементом музыкальной конструкции является ритм (моторика, неравномерное чередование акцентов, ритмические модели суммирования и дробления, длительные участки остинатного ритма, переменный метр, полиритмия). Редко, но возникало ощущение присутствия рамплиссажного письма, которое преследует лишь конструктивную цель – заполнить звуковое пространство. Но это –  «забегая вперед»…
Первым прозвучал Концерт для виолончели, струнного оркестра и ударных ярославского композитора Виктора Кожевникова (солистка Елена Чудинова). Концепция – философская глубина собственного видения и отражения мира –  представлена как контраст «мускульной» моторности смятенно-взволнованных пассажей (солирующая виолончель, оркестр) лирике (страстный монолог виолончели, великолепная по красоте, но краткая мелодия солирующей скрипки, прекрасная кантилена, полнозвучие оркестра в медленной части). Темповый контраст (быстро – медленно) уравновешивается вступительным и кодовым разделами, где «действующим лицом» выступает характерный тембр колоколов, и невольно всплывает текст: «Не трогайте голубой глобус…». Вздрагивает потревоженное сердце, а колокольный звон воспринимается как тревога за будущее планеты Земля и судьбу человечества… Крешендирующая  звучность ставит заключительную «точку», и зал взрывается аплодисментами. Потрясающая музыка, актуальное содержание.
Оркестровая пьеса «Натирающая благовониями» Александра Рындина – музыкальный «портрет» любимой женщины, в основе которого лежит монограмма Alevtina. По рекомендации автора, перед исполнением прозвучала молитва. Безусловно, монограмма как музыкальный символ является для композитора и подготовленного слушателя выражением конкретной мысли, но, с другой стороны, чем больше музыка насыщается избранным «мелоблоком» из минимума звуков, тем меньше возможности воспринимать его как особое выразительное средство. Пьеса понравилась слушателям разнообразием звуковых красок, необычностью инструментовки, законченностью формы, они долго аплодировали автору, оркестру, солистам – лауреату конкурса Юга России Вере Заплесвичко и Евгению Жукову (флейты).
Профессор Одесской консерватории, лауреат международных конкурсов Кармелла Цепколенко представила на суд слушателей симфонию «Parallels», звуковое пространство которой включило многообразие технико-выразительных средств: тянущийся звук, сонористическое многоголосие, «трущиеся» линии, образующие диссонантный звуковой «ландшафт», эффект «движения на месте», пуантилистическая «россыпь» и полифония кластеров (партия солирующего фортепиано), остинатный повтор избранной звукоидеи, звучащие паузы и т.д. Поистине энциклопедия техник композиции и приемов игры на инструментах для выражения проблемы «рядом следующих, но никогда не пересекающихся линий». Стало откровением для любопыт-ных студентов, педагогов, композиторов наличие программы, разъясняющей идею звукового материала симфонии. Остается только сожалеть, что она «всплыла» не до, а после прослушивания. На совести ведущей, дирижера или самого автора остается несоответствие задуманного его реализации. 
Сюита «Детские игры» заслуженного деятеля России, лауреата премий города-героя Волгограда и Волгоградской области Анатолия Климова впервые прозвучала по Центральному радио в исполнении оркестра под управлением Максима Шостаковича. Композиционно она выстроена так, чтобы раскрыть мир ребенка и его окружение: любимые игрушки («Медвежонок с балалайкой», «Кукольный танец»), картины природы («Сегодня пасмурно»), распорядок дня («Тихий час»), игры («Кавалеристы»). Пять небольших пьес-картинок расположены по типу жанрового и темпового контраста. Музыка проникнута ребячьей радостью, детскими грезами волшебных снов, беззаботностью и, главное, любовью к детям. Творческая фантазия композитора проявилась в мелодической свежести, живописности оркестра, композиционной стройности и была щедро вознаграждена аплодисментами слушателей.
Музыка сцены «Охота» из балета «Темучин» заслуженного деятеля РФ, профессора Юрия Гонцова продемонстрировала полный «набор» признаков современного контекста и оригинальную трактовку арсенала ударных инструментов, воспроизводящих атмосферу далекой эпохи монгольской державы начала XIII века, главным занятием которой было скотоводство, охота,  территориальный захват. Слух прежде всего привлекает тонко найденный синтез архаического (манера  исполнительства в среде азиатских кочевых народов, обязательный атрибут шамана – там-там с его таинственным, гулким, зловещим звуком) и современного (различные виды ритмической пульсации, поиски новых сонорных красок, эффекты мерцающих, плывущих, шумовых звуков). Ударные инструменты выступают как солисты, выполняют ритмоорганизующую, колористическую функции. Повтор в коде материала вступительного раздела воспринимается как образно-смысловое обрамление, сообщает форме стройность и законченность. Браво! Великолепная музыка.
Концерт для кларнета с оркестром лауреата конкурса им. С.С. Прокофьева Юрия Баранова генетически связан с традициями классического жанра, однако композитор трактует традицию творчески: в соревнование с оркестром вовлечен не только солист, но и инструментальные группы, исполнители на первых пультах (красивый эпизод solo cкрипки, кларнетовый фрагмент), не на традиционном месте каденция солиста, демонстрирующая виртуозные воз-можности лауреата международных конкурсов Виктора Смиховского (кларнет). Это музыка, которую хочется слушать и слушать.
Настоящим праздником стало исполнение сюиты из балета «Коты в сапогах» народного артиста России, председателя Правления  Союза композиторов России Владислава Казенина, отличающейся яркостью индивидуальной манеры письма, сочетающей принципы симфонизма (состав оркестра, инструментовка, способ развития материала) и джаза. Мелодия (неистощимость и роскошь кантилены), ритм (остроумный, свинговый, магически-импульсивный, динамичный), гармония (яркая, сочная, изящная), нарядность оркестровки – определяющие факторы музыки сюиты. Характер каждой миниатюры, ее образная конкретность – запечатлены в заголовках пьес: «Коты и кошки», «Город просыпается», «Утро», «Принцесса и Иван», «Танец маленьких котят», «Галоп». Музыка в буквальном смысле живописует галерею образов: бравых, напыщенных котов, в полном «парадном» блеске дефилирующих перед кошками, кокетливых, грациозных, мягко-пушистых кошечек, «дуэт любви и согласия» сказочной принцессы и Ивана в духе балетных Adagio П.Чайковского, полный нежности, изящества танец котят и галоп в стиле опереточного канкана как акт подражания (в хорошем смысле) эстетическим идеалам джаза Леонида Утесова. Музыка и исполнение сюиты вызвало бурю аплодисментов и повторение на «бис». Такой жизнеутверждающей точкой завершился первый день фестиваля.
13-14 октября. Камерной музыке на фестивале было посвящено три концерта (два – в вечернее время, один – в дневное), количество произведений, предложенных для прослушивания, свидетельствует о творческой активности и симпатиях композиторов к малым по составу ансамблям. Кроме традиционных камерных миниатюр (сольная фортепианная музыка, вокально-инструментальный ансамбль, инструментальный дуэт, трио и т.д.) были представлены оригинальные по составу и контрастные по тембрам группы совместного исполнения: две скрипки и фортепиано – Andante amoroso Александра Рындина (Астрахань); контртенор, виолончель, танец – «Садовник и смерть» Сергея Жукова (Москва); струнный квартет, ксилофон, вибрафон – Струнный квартет с ксилофоном и вибрафоном Вячеслава Кошелева (Петрозаводск); виолончель, баян, колокольчики с высоким тоном – «Соната-фантазия Kammermusicus» Владимира Холщевникова (Нижний Новгород); скрипка и орган – «Остров Мантсинсаари» Кирилла Уманского (Москва).
В концерте приняли участие: заслуженная артистка РФ Ирина Николаева – фортепиано (Москва), лауреаты Всероссийских конкурсов Ирина Барабанова, Надежда Гольчикова – скрипки, Леонид Бутаков – балалайка, Михаил Великанов – вокал, лауреаты международных конкурсов Наталья Муравьева – фортепиано, Сергей Романов – скрипка, Рустам Яваев – вокал (Москва), ансамбль «Арс мобиле» в составе: Юрий Гуревич – баян, Наталья Тельминова – виолончель (Нижний Новгород), а также Всеволод Гонцов – альт, Светлана Сизова – виолончель, Анжела Гасратова – фортепиано.
В дань уважения основателю Астраханского отделения Союза композиторов Александру Блинову первым сочинением, прозвучавшим на концерте, была «Современная колыбельная» на стихи эстонского поэта М. Траата – крохотная частица звукового мира композитора, ратующего за судьбу «чистой весенней поросли» – детей планеты Земля (исполнители: Михаил Великанов и Людмила Курцберг).
Весомо была представлена музыка для фортепиано. В двух ипостасях – как исполнители и композиторы – предстали Ричард Кэмерон-Вольф (США) и Степан Ростуни (Волгоград). Первый исполнил сонату № 2 Томаса де Гартмана, второй – собственное сочинение для фортепиано «Отражение отражения». Обоих композиторов объединяет потребность быть актуальны-ми. Это значит – писать (играть!) интересно, находить новые средства, быть готовыми к мгновенным сменам музыкальных «декораций» и эмоций, высокий профессионализм. Художественно-тонкий пианизм Ричарда Кэмерона-Вольфа по-настоящему достоин похвал как профессионалов, так и любительской аудитории.
Идея пьесы «Отражение отражения» Степана Ростуни – зафиксировать в звуках взгляд армянской девочки, в котором застыли боль утраты, тревога, ужас увиденного; отсюда потребность вывести слух за пределы инструментализма и темперации через пальцевую технику зажатия струн, близкую к препарированию фортепиано, для получения эффектов «деревянного», «вибрирующего», «плавающего» звучания. Собственное исполнение вызывает восхищение  стопроцентной точностью интерпретации. Браво, Маэстро!
Глубиной звукового измерения отличалась игра профессора академии им. Гнесигых Ирины Николаевой. Исполненные ею фортепианные сочинения –  Пять стихотворений «Признание» Владимира Магдалица (Москва) и «Три портрета» Александра Рындина («Гончисси-мо» – Гонцов Ю.П., «Экспромт на А.В.» – Александр Блинов, «Автопортрет») – звучали такими красками, словно в ее распоряжении не струны и молоточки, а целый набор тембров, и она из контрастов педальной и беспедальной игры «творит» тонкие художественные эффекты, передает страсть и ранимость души, интеллект и волеизлияние портретистов.
Два этюда Владислава Казенина («Секунды» и «Малые терции») помимо решения сложных технических задач (которые не до конца остались решенными) – высокохудожественные виртуозные произведения концертного плана.
Предметом пристального внимания композиторов становится жанр посвящения. Кирилл Уманский (Москва) исполнил мемориал «Фантазия памяти Николая Сидельникова для органа». Созданное Н. Сидельниковым удивляет разнообразием и смелостью идей, говорит об оригинально мыслящей Личности, а посвящение композитора своему учителю вполне закономерно и служит программой для грандиозного «звукового здания» – трехчастной композиции («Прелюдия», «Фуга», «Речитатив»).
Прозвучавшие на фестивале произведения Юрия Гонцова «Астраханское каприччио» (для малой, альтовой домр и баяна) посвящено памяти заслуженного деятеля искусств РФ, та-лантливого дирижера, музыканта с большой буквы Вячеслава Махова, а «Соната зимы» – профессору Красноярской академии музыки и театра, заслуженному артисту РФ Владимиру Аверину; «Интермеццо» Юрия Баранова для оркестра русских народных инструментов – памяти Николая Калинина, «ОРНИзация» Степана Ростуни посвящена руководителю ОРНИ города Волгограда Галине Иванковой.

         Предпосланный «Сонате зимы» текст-программа определяет не только содержание, но и языковые средства выразительности, технику композиции. Соната моноинтонационна, поскольку опирается на звуковой комплекс, символизирующий «графический портрет» – моно-грамму Vladimir Averin. Сугубо диатоническая тема-сфинкс (aadedaed) подвергается тембровой, полифонической, политональной «ретуши», звукобуквенной трансформации (перестановка звуков, смещение опор, «недопетость» и т.д.) в полиритмической мозаике. Различные жанровые модификации монограммы безраздельно господствуют в остро диссонирующем пространстве сонаты, обнажая ее многоликую сущность: «бурю, смятение в бесконечности метаний и душевный покой, смирение и протест…» Вполне естественно, что «закон трех Т» (талант есть труд, помноженный на труд) реализовался в достойной похвалы игре ансамблистов – Леонида Бутакова (балалайка) и Натальи Муравьевой (фортепиано).
Остановлю внимание на том факте, что появление адресных (не мемориальных!) сочи-нений – позитивный момент творчества: композитор более активен, поскольку ориентирован конкретно на музыкантов, которые не только хотят, но и могут достойно представить сочине-ние.
«Остров Мантсинсаари» для скрипки и органа Кирилла Уманского продолжает серию пьес под названием «Острова». Композиция близка промежуточной форме с чертами концертности: соблюдено соревнование солирующего инструмента и оркестра-органа, динамическое крешендирование к яркой кульминации – кластерной какофонии звуков, после чего следует solo-каденция скрипки и, наконец, coda, выполняющая функцию завершения. Как положительный момент отмечу тенденцию к возрождению «бесконечной мелодии» (тематически концентрированного развертывания), способствующую активизации кантиленности, текучести, «эластичности» музыкальных фраз.
Репертуар вокалистов пополнился не только замечательным опусом Александра Блинова («Современная колыбельная»), но и сценой «Садовник и смерть» Сергея Жукова на стихи П.Н. Ван Эйка, где вечная тема Жизни и Смерти, предопределенности Судьбы, оригинально решена средствами музыки и хореографии: тембр голоса, сценическая игра Рустама Яваева, атрибутика образа смерти (плащ-покрывало, головной убор, костяные палочки), великолепная стилистика танца (Рубин Яваев) и музыка (Анна Литвинова – виолончель) помогли передать душевное смятение, экзальтацию, страх садовника и трагизм ситуации. Буря оваций и цветы – награда автору и исполнителям.
Аплодисментами была встречена премьера «Roerich Rhapsody-Liaison» (Рапсодия на тему из оперы «Рерих») Ричарда Кэмерона-Вольфа для виолончели и фортепиано (исполнители: Светлана Сизова – виолончель, лауреат Всероссийского конкурса Анжела Гасратова – фортепиано).
Художественно убедительно, ярко прозвучал струнный квартет с ксилофоном и вибра-фоном Вячеслава Кошелева (Петрозаводск), музыка частей которого составила звуковой «альбом» чувств автора: мятежный порыв, исповедь сына века – поэтическая мечтательность, душевная тонкость. Исполнительский стиль отличался техническим мастерством, темпераментностью. Неординарность мышления композитора сказалась в широком спектре технологических средств, главным из которых является полифония как разговор участников, не всегда разделяющих единую точку зрения (исполнители: лауреат Всероссийского конкурса Ирина Барабанова – скрипка, лауреат регионального, дипломант Российского конкурсов Надежда Гольчикова – скрипка, Павел Гришин – альт, Анна Литвинова – виолончель, Виктор Волосатов – ударные).
Название «Соната-фантазия Kammermusikus» для виолончели и баяна Владимира Холщевникова (Нижний Новгород) настраивает на традицию Kammermusik П. Хиндемита, И. Стравинского и т.д. Однако… Сверхидея контраста сказалась во всем: выбор инструментов, включая колокольчики с высоким тоном, – не эксцесс вкуса, здесь столкнулись два века, две манеры мышления, два звучащих мира, поэтому в музыке представлен паритетный синтез эмоционального и рационального начал. Должность, занимаемая В.А. Моцартом на службе при княжеском дворе (kammermusikus), послужила поводом-программой для коллажирования интонаций, тематических образований венского классика, что еще больше усилило дистанцированность стилистики авторского текста и «чужого» материала (изящно-капризные, танцевальные моцартовские интонации). С другой стороны, включение в композицию фрагментов музыки конкретного автора может восприниматься как факт почтения, уважения, посвящения адресату, отчего «связь времен» приобретает яркую личностную окраску. Порадовала отличная ансамблевая игра, безупречное владение (интерпретация) разными типами техник и стилевыми взаимодействиями (полистилистика).
Вдохновенно, но без злоупотребления патетикой, не перехлестывая эмоциями, прозвучал квартет для классического состава струнных инструментов Алексея Павлючука (Саратов) – талантливого композитора, проявляющего интерес к радикальным приемам, стремящегося к блеску изобретения при серьезности художественных намерений, широте, многообразии жанровых решений.
Хочется обратить внимание на столь редкостное явление музыкального искусства как  м е л о д и я. Восхитительна музыка Andante amoroso Александра Рындина: признание в глубоком чувстве выражено автором то как «дуэт согласия» двух скрипок, то средствами разнотемной и подголосочной полифонии, в которой принимает участие трио исполнителей. Эффектно «театральное» окончание – оба исполнителя идут навстречу друг другу и останавливаются в балетной позе влюбленных (исполнители: лауреат Всероссийского и международного конкурсов Сергей Романов, Елизавета Бабурина – скрипки, Ирина Козак – фортепиано). Не отрицая выразительных возможностей музыки без мелодийной структуры (микроинтонации, соноблок, пятна, линии, пучки, спектры…), современный художник вправе искать «соответствующие слова» для реализации своих идей. И в этом случае точки зрения оказываются различными, понимание индивидуализировано. Главное, чтобы автор демонстрировал талант, мастерство, изобретательность…
Днем 12 октября в каминном зале Астраханской государственной картинной галереи им. П.М. Догадина состоялось прослушивание сцен из оратории «Магистр Ян Гус», созданной в стилистике популярной музыки Рихардом Пахманом (Чехия), а 13 октября в концертном зале музыкального колледжа прошел авторский концерт композитора, составленный из вокальных и инструментальных сочинений. Рихард Пахман – музыкант большого творческого диапазона: он пел под собственный аккомпанемент, под фонограмму, играл сольно и в ансамбле, вел концерт. Кроме автора в концерте приняла участие Екатерина Романова (скрипка), а также поэт, писатель-фантаст Андрей Белянин, представивший композитора астраханским слушателям.
15 октября. Концерт оркестра русских народных инструментов открыло «Астраханское каприччио» профессора, заслуженного деятеля искусств России Юрия Гонцова в исполнении Динары Кенжигалиевой (домра), Александры Сагайдаковой (домра альтовая), Сергея Шипицына (баян). Что касается содержания, то само название (каприз, прихоть) предполагает виртуозный, причудливый характер, блестящий стиль с обилием неожиданных эффектов, свободную, изменчивую форму (здесь – капризы судьбы). Музыка вырастает из плачевой интонации. Композитор использовал три русские народные песни Астраханской области: ин-тонационное ядро каждой легло в основу звукоидеи вступления, главной и побочной партий квазисонатного allegro. Однако это пример сложной многозначной трансформации фольклорного материала. Композитор предлагает слушателю взглянуть на песни («В Волге вода разливается», «Уж ты ель, сосна зеленая») с «эпохальных» точек зрения, поэтому техника «работы» с материалом дала неповторимое, оригинальное художественно-драматургическое решение. Оно отразилось в интересном сплаве попевочного тематизма, ритмических и тембровых приемах – глубокие качественные изменения начальных мелодических импульсов, «статический драматизм», ритмический нерв, пронизывающий композицию, длительные остинатные формулы микромотива. Автор предстал перед слушателями как музыкант, ощущающий ансамблевую ткань во всех ее тончайших деталях.
Несколько слов о жанре концерта для оркестра русских народных инструментов. Их было два. Первым прозвучал концерт саратовского композитора Игоря Дороднова, который предстал как интересный, творчески ищущий музыкант. Традиционный тип цикла (сонатное allegro, лирическое moderato, рондообразный финал) зафиксирован в партитуре как четырехчастная композиция (I часть – вступление). Музыка ассимилирует контрастные пласты фольклора и новейшие приемы композиционной техники. Отсюда яркая мелодическая щедрость (II, IV части) и «набор» признаков современного контекста, противопоставление объективного и субъективного начал как темы Человека и Судьбы, которая «стучится в дверь». Отсюда богатый сплав различных оттенков выразительности, красочная оркестровка (клавишные гусли, трещотка, тарелки, большой барабан), близость темы главной партии лейтмотиву Штирлица из музыки к кинофильму «Семнадцать мгновений весны» (II часть), подчеркнуто национальный тематизм рефрена (IV часть), которые делают концерт доступным для восприятия, что отразилось в восторженной реакции зала.
За плечами Юрия Гонцова более 80 опусов. Список сочинений включает несколько вокальных циклов («Поющий лук», «Следы внутрь», «Тихая моя Родина», «Отражение Неземно-го»), четыре сонаты для баяна, две сонаты для фортепиано, два концерта для фортепиано с оркестром, концерт для калмыцкой домбры с оркестром калмыцких народных инструментов, двойной концерт для флейты, гобоя и русского оркестра и т.д. И вот теперь «ассортимент» концертов пополнился новым – для баяна с русским оркестром и с уточняющим названием «Астраханский».

 
Объединяет оба концерта оригинальность художественной идеи и так называемый «современный язык», различия – индивидуальность в плане самовыражения, в предпочтении скоростных режимов, в тембровой палитре звучания, в эстетике поиска нового и распределении «нагрузки» на инструментальные партии. В этой связи нельзя не отметить высокий профессионализм лауреата Российского и дипломанта Международного конкурсов Константина Смородина, блестяще справившегося с техническими сложностями солирующей партии.
Две «Прелюдии» Алексея Павлючука не лишены изобретательности, тембровых эффек-тов, придающих звучанию специфическую выразительность: полифония эмбрионального фрагментарно дробного тематизма, чередование оркестровых (туттийных) фрагментов и «солирующих» темброреплик («выкрики» баянов, контрабасов, балалаек, звуковые «блики» клавишных гуслей,  solo гобоя, флейты и т.д.) при неисчерпаемом разнообразии ритма (острота и сложность акцентов, пунктир, синкопы, полиритмия, свобода от оков метроритмического схематизма), крешендирование и кульминации с участием кластеров баяна и литавр в динамике fortissimo… Все это требует сценической выдержки, артистического темперамента, высокой исполнительской культуры, что и продемонстрировал коллектив филармонического оркестра русских народных инструментов им. В.М. Махова. Молодцы!
В «ОРНИзации» Степан Ростуни продолжает экспериментировать с тембрами, новыми видами звукоизвлечений (скольжение ногтями по струнам, игра с зажатыми струнами). Здесь как в калейдоскопе появляются и исчезают микроэлементы мелодии, образы музыкального «хаоса» (алеаторика) и фрагменты медитативной силы и глубины, статики, наполненной непрерывным движением звуковой материи.
На концерте слушатели открыли для себя качественно новый оркестр народных инструментов с точки зрения экспрессии звучания, тембровых красок, фактуры, языковых средств, смешения техник на основе принципа уподобления (квазидодекафонность, квазисерийность, квазитональность и т.д.). Это означает, что переосмыслилось сложившееся представление о возможностях русского оркестра и его репертуаре.
Бурю аплодисментов вызвало исполнение заключительного номера программы «Интер-меццо» Юрия Баранова, доцента Волгоградского института искусств им. П.А. Серебрякова, заслуженного деятеля искусств России, члена Союза композиторов России. Музыка вернула слушателей в праздничную атмосферу «доперестроечных» лет. В основе композиции лежит контрастное сопоставление тем: искрометной, «с озорством», легко запоминающейся и протяжной, распевной, опирающейся в интонационной основе на мелодизм лирических песен. В хорошем смысле традиционна форма, драматургия динамики и эмоциональных состояний.

         Краткий обзор звучавшей на концерте музыки хочется закончить словами кого-то из великих: «Музыка может быть самой левой, но она никогда не должна находиться левее сердца».
Мало сказать, что игра коллектива – оркестра народных инструментов – отличалась ансамблевой сыгранностью, техническим мастерством, культурой звукоизвлечения, она импонировала глубиной интерпретаций, эстетичным видом оркестрантов, и это покорило гостей и астраханскую публику. Каждый номер был встречен щедрыми аплодисментами и доброй улыбкой.
Несколько слов о дирижере Леониде Егорове. Общеизвестно, что этот вид деятельности выделяется своей многогранностью и в этом смысле является самой сложной профессией в музыке. Хоровой дирижер с богатой практикой дирижирования симфоническим оркестром Леонид Егоров виртуозно владеет мануальной техникой, способностью «переводить» музыку в жест. Добавив захватывающий темперамент, точность слухово-пространственных представлений, требовательность, уважение к авторским текстам, – получим эскиз портрета дирижера. Автору этих строк посчастливилось побывать на репетиции оркестра и наблюдать, как истово и скрупулезно работал с музыкантами Леонид Егоров.

         В тот же день в концертном зале ДМШ № 1 состоялся концерт для детей и юношества «Молодые – молодым», который явился своеобразным смотром подрастающего поколения талантов – композиторов и исполнителей. Программа  состояла в основном из сочинений астра-ханских авторов за исключением «Майской сюиты» Сергея Беринского (Москва) в переложе-нии для флейты и фортепиано и песни «Аленушка» Виктора Кожевникова (Ярославль). Исполнителями стали юные лауреаты и дипломанты областных, российских конкурсов Денис Туманов (флейта), Светлана Пичугина, Настя Юрьева, Татьяна Поспелова (фортепиано), Азамат Абдугалиев (вокал), лауреат конкурса композиторов имени Альфреда Шнитке Елена Рублева, победитель областного конкурса композиторов Данила Елисеев, а также Евгений Жарков (флей-та), Александр Зимин (гобой), Мария Голованева, Роза Экажева, Зинаида Шиян (фортепиано), хор ДШИ № 2 (дирижер Инна Хабарова, концертмейстер Ольга Бабичева).
Уверенно, с ощущением стиля исполняемой пьесы, прозвучала «Майская сюита» Сергея Беринского. Ансамбль из двух лауреатов конкурсов (Денис Туманов и Светлана Пичугина) выглядел сценично, порадовал слаженной ансамблевой игрой. Столь же успешным было совместное музицирование Евгения Жаркова и Татьяны Поспеловой, сыгравших «Степную фантазию» Данилы Елисеева. Типовые свойства фантазийного жанра сказались в темповых переключениях и образных сопоставлениях: пейзажная «музыка степей» ярко контрастировала восточному колориту танцевального раздела («пустые» квинты, интонационная близость  танцевальному фольклору, стремительный характер темы, передающий темпераментность пляски, кварто-квинтовые созвучия, напоминающие звучание народных инструментов).

Эффектно прозвучало «Трио на тему А. Шнитке» (из сюиты «Ревизская сказка») Елены Рублевой. Что касается восприятия, то автор удачно выбрал  тему как средство выразительности и ассоциативной связи. Секрет яркости этого произведения – при всех возможных оценках его художественной и образно-эмоциональной сторон – в тонко найденном синтезе своего и чужого (исполнители: Евгений Жарков – флейта, Александр Зимин – гобой, Роза Экажева – фортепиано).
Правильно найденный баланс ритма, метрического пульса, изобразительных приемов, манеры исполнения продемонстрировала лауреат областного конкурса Настя Юрьева, исполнившая два фрагмента из четырех «Майиных песен» Юрия Гонцова. Театрально, ярко прозву-чали «Испорченная шарманка» и «Марш крокодила». Композитору и исполнительнице удалось передать суть образов – фальшь неисправного инструмента, уловить тончайшие штрихи облика, «характер», повадки рептилии. Юрий Гонцов обладает даром «сюжетной интриги» (соотношение персонажей и обстоятельств), благодаря чему музыкальные портреты предстают как действующие лица театрализованных сцен, «живые» реликтовые предметы.
Самых лестных характеристик достойны композиторы, создававшие и создающие детский и юношеский репертуар (Сергей Беринский, Юрий Гонцов, Александр Блинов, Виктор Кожевников, Данила Елисеев, Игорь Куршев и др.). Концерт «Молодые – молодым» в рамках фестиваля современной музыки завершился песней «Жемчужина дельты» Игоря Куршева на стихи автора музыки (в исполнении хора ДШИ № 2).

         16 октября. Днем в конференц-зале консерватории состоялся мастер-класс Кармеллы Цепколенко (Украина), а вечером – концерт хоровой музыки, достойно завершивший IX Международный фестиваль «Дни современной музыки в Астрахани». В нем приняли участие: хор консерватории (дирижер – заслуженный деятель искусств РФ, профессор Любовь Власенко), сводный хор консерватории и музыкального театра (хормейстер – заслуженный деятель ис-кусств России Галина Дунчева), солист Сергей Тарасов – тенор, лауреат Всероссийского конкурса камерный мужской ансамбль «Скимен», мужской хор филармонии (дирижер Алексей Юрченко), хор музыкального колледжа (дирижер – заслуженный работник культуры РФ Нинель Никитина), муниципальный камерный хор «Лик» (дирижер – Татьяна Рекичинская), концертмейстеры: лауреат премии Артура Каппа Анжела Гасратова, Татьяна Легенькая.

В разножанровую программу заключительного дня фестиваля вошли хоровые сочинения Виталия Ильина (Санкт-Петербург), Анатолия Самонова (Москва), Степана Ростуни и Анатолия Климова (Волгоград), Юрия Машина  Виталия Ходоша (Ростов-на-Дону), Алексея Павлючука (Саратов).
Первое отделение открылось исполнением духовных сочинений для мужского ансамбля a cappella. В списке произведений Александра Рындина немало духовной музыки. На предыдущем фестивале впервые прозвучали «Три литургических песнопения для мужского хора». На нынешнем – вновь премьера: хор «Придите, ублажим Иосифа приснопамятного» из цикла «Стихиры на целование Плащаницы». Музыка хора – царство отрешенности от бренности мира, возвышенной духовности, сосредоточенной мысли произнесенного Слова.
«Девять молитв на стихи русских поэтов» Юрия Гонцова посвящены памяти Александра Меня. Здесь иной творческий подход, другая трактовка жанра – исповедальность авторского поэтического текста и концертная форма исполнительства. Были озвучены две молитвы: «Прости меня, Боже» на текст Николая Минского и «Научи меня молиться, добрый ангел» на стихи Петра Вяземского.
Сильное впечатление произвела смена цвета одежды исполнителей: черного монашеского камерного мужского ансамбля «Скимен» на белый светский мужского хора филармонии. Дирижер Алексей Юрченко свободно ориентируется в стилистике как совокупности своеобразных приемов духовных сочинений, знает хор «изнутри» (выпускник факультета хорового дирижирования Астраханской консерватории), человек религиозный, поэтому интерпретация молитв соответствовала замыслам композиторов.
Обозначенные в программе названия хоровых опусов выявляют одну из существенных творческих тенденций авторов хоровых миниатюр – воплотить музыкальными средствами об-разы природы в стихах русских классиков. По-видимому, есть какая-то глубинная, независимая от вида искусства, близость взглядов, художественных миров, в основе которых лежит Красота мироздания. Акварельная звукопись женского хора a cappella «Ночевала тучка золотая» Виталия Ильина передала образный строй чистой лермонтовской лирики. Автор музыки подчеркнул в ней «горные вершины» духа и остроту драматической экспрессии путем гармонического языка, фактурных приемов, постепенно раскрыв истинный смысл текста – одиночество, горечь утраты…
Текст А. Пушкина послужил основой для оды «Возрождение» Анатолия Самонова из цикла «Девять хоров a cappella на стихи А. Пушкина». Каждый из разделов маленькой поэмы «Моя Астрахань» Юрия Гонцова начинается хоровой имитацией колокольного звона. Он ассоциируется с Вечностью, в которой растворяется все временное: печаль о прошлом, сиюминут-ность проходящего, надежда на будущее… Три хоровые миниатюры («Ночевала тучка золотая», «Возрождение», «Моя Астрахань») – три разнохарактерные художественные ценности, музыкальные выразительные средства которых обусловлены требованиями содержательной стороны. Горячее одобрение слушателей вызвало выступление хора музыкального колледжа (дирижер – заслуженный работник культуры РФ Нинель Никитина), позволившего почувствовать смысл прекрасных слов – музыка, вдохновение, восторг! Через регистровые, динамические соотношения звуковых деталей, приемы звукоизобразительности хор передал глубину звучащей материи, ассоциирующейся с пространственной перспективой.
Три номера из хорового цикла «Отзвуки сердца» Анатолия Климова («Ночь», «Тройка», «Тальяночка») уже звучали в рамках предыдущего VIII фестиваля «Дни современной музыки в Астрахани» в исполнении камерного хора «Лик». В нынешнем концерте хоровой музыки прозвучали еще два номера: «Усталый день» и «Пороша». Хоры написаны тонко, со вкусом: композитор, с одной стороны, сохраняет традиции хорового звучания, с другой, – на локальных участках формы включает в фактуру новые элементы современного музыкального языка.
Самым оригинальным оказался хор «Начало» Степана Ростуни. Средством выразительности, выявления пространственных возможностей хоровой партитуры становится звучность в ярко выраженном сонористическом облике – бестекстовая, из шипящих, звонких, глухих согласных, выдохов, вдохов, шепота, хрипа, рыка, колебаний языка и т.д. Это «начало» рождения бездны разнородных, разнокачественных шумовых звуков, которые позволили композитору при отсутствии текста добиться высокохудожественного результата через гипертрофию фонической стороны звучания. Сонорика приумножает акустическую объемность при наложении нескольких звукошумов из слогов или «бессмысленных» наборов слов, образуя гетерофонические «пятна», «мерцания», «шорохи», «шелест», «гроздья» (кластеры) и т.д. Своеобразна динамика, которая то принимает форму волны, где звуковые гребни равномерны, то дробится пунктиром штриха staccato, что усиливает зыбкость звукового рельефа. Бесподобны темброфоника и кластерная звучность кульминации, наплывы и затухания, позволяющие проследить путь удаления звукового «шлейфа». Поистине достойное завершение первого отделения концерта. Композитору, дирижеру Татьяне Рекичинской и исполнителям (камерный хор «Лик») Bravo! Bravissimo!
Второе отделение открылось вновь духовной музыкой: прозвучало сочинение Юрия Машина «Te Deum» для смешанного хора и фортепиано, которое было написано в 2005 году по заказу из Голландии. Смысловое значение текста строф молитвы нашло адекватное выражение в интонационных, динамических, фактурных свойствах партитуры. Слушатели оценили художественные достоинства сочинения и проникновенное исполнение долгими аплодисментами.
Из хоровых сочинений крупной формы прозвучали три молитвы из кантаты «По прочтении "Архиерея" А.П. Чехова» Виталия Ходоша. Само название невольно вызывает в памяти сонату-фантазию «По прочтении Данте» Ф. Листа, кантату «По прочтении псалма» С. Танеева и то общее, что их объединяет – высокий философский строй «жанра», осмысление вечных проблем бытия. Стремясь к большей «индивидуализации музыкальной формы, позволяющей по-современному динамизировать хоровую драматургию, автор соединил тексты православного богослужения с поэтическими строками А. Пушкина и Б. Пастернака. Отсюда продуманная система контрастов, логика ладотонального развития, соответствующие художественные средства, анфиладный принцип показа материала, когда масштабная форма образуется присоединением отдельных законченных эпизодов, сливающихся в композицию целого. Исполнение молитв «Благослови, душе моя, Господа» (Псалом 102), «Ангеле Божий» (молитва Ангелу-хранителю), «Святый Боже» (ангельская песнь Пресвятой Троице) было посвящено памяти ушедших музыкантов: композитору Александру Блинову, дирижерам Вячеславу Махову и Фариду Сепкулову.
Половодье чувств разлито в стихотворениях русских поэтов о природе, что нашло отражение в пейзажном характере музыки циклов «Времена года» Владимира Магдалица на стихи А.Фета и «Картины природы» Алексея Павлючука на стихи русских поэтов. У циклов общая цель – средствами хоровой звукописи перекинуть мосток к воображению слушателей, вызвать поток ассоциаций из реки памяти, вложить кодовую информацию – смысл и настроение стихов.
Несмотря на то, что Д. Шостакович назвал симфонию царицей музыки, многие тысячелетия царствующим был голос, сольное и хоровое пение, что и подтвердил концерт хоровой музыки. В чутких руках дирижера – заслуженного деятеля искусств РФ Любови Власенко хор консерватории оказался способным подчинить технические сложности партитур передаче тон-чайших оттенков музыкальной живописи пейзажных зарисовок, психологических градаций чувств, виртуозно оперировать тембровыми красками и перевоплощениями: «сурдинный» (закрытый), открытый звук, филирование, glissando, пуантилистическое staccato, стереоакустический эффект пространственной объемности и т.д. Столь же разнообразна и гибка градация динамики: наплывы и угасания звука, имитации реверберационных отзвуков, subito piano, почти неуловимый флер хорового звучания и, наконец, техника, включающая хоровые педали, органные пункты на «дне» объема звучности, приемы сонористики, активность остинатных звуко-изобразительных элементов, вынесенных в фоновый пласт хоровой фактуры, кластерные образования и алеаторические компоненты. Все традиционные и современные средства выразительности использованы по назначению – воспеть красоту и гармонию мироздания в их космическом ощущении, поэтому так живописны и точны детали («последние листы», «дорога промерзает», «дохнул осенний хлад», «журча, еще бежит за мельницу ручей») в строках А. Пушкина и Б. Пастернака («мело, мело по всей земле», «сметались хлопья со двора к оконной раме», «метель лепила на стекле кружки и стрелы», «и все терялось в снежной мгле»), в музыке первого и четвертого номеров «Картин природы» Алексея Павлючука.
Премьера поэмы Александра Рындина «Россия» на стихи Андрея Белого поставила заключительную точку в программе фестиваля. Обращение к стихам А. Белого неслучайно: задумывая сочинение с определенным поэтическим стилем (символизм) и содержанием (пророчество), музыка оказалась их «заложницей». Поэма привлекает прежде всего национально русским характером образов, связями с песенным мелосом. Центральный образ – Россия, которой выпала роль «Мессии грядущего дня». Музыкальная драматургия поэмы основывается на контрасте оркестровых, сольных и ансамблевых эпизодов, тембровых красок (дуэт женских голосов – унисон мужских), тональных сопоставлений (переход из пассионно-скорбного h moll – «не плачьте, склоните колени…»  в светоносный белый C dur – «в потоки космических дней…», воспринимаемый как свечение тональной радуги), контрасте выразительных средств (сопоставление арпеджированных аккордов с мелодизированной фигурацией, аккордовым полнозвучием; чередование диатонических плагальных и хроматических вертикальных комплексов). Выразительна мелодия solo тенора (солист Сергей Тарасов, концертмейстеры Анжела Гасратова – I рояль, Татьяна Легенькая – II рояль) появляется дважды, благодаря чему образуется эффект обрамления, а мажорная кода с перезвоном «колокольчиков» в высоком регистре напоминает светлые ликующие финалы ораториальных сочинений. Таким жизнеутверждающим, праздничным аккордом завершился фестиваль.
Хотелось бы выразить благодарность ведущим концертов: Жанне Алатарцевой, Ксении Ивановой, музыковеду Юлии Скрипченковой, заслуженному деятелю искусств РФ Любови Власенко и, конечно, Рихарду Пахману. Особая благодарность Министерству культуры Астра-ханской области, руководству филармонии, консерватории, музыкального колледжа, ДМШ № 1, картинной галереи за предоставление залов, помощь в организации и проведении фестиваля на достойном уровне.

Подведем итоги: фестиваль «Дни современной музыки в Астрахани» движим добрыми побуждениями, поскольку продолжает традиции творческого соревнования, в котором победителями оказываются ТАЛАНТ и ТРУД; своим художественным обликом и высоким исполнительским уровнем он достойно вписался в музыкальную жизнь России; а любителям современного искусства – профессионалам и меломанам – он подарил новые встречи и дружеские контакты, огромный слуховой «багаж» новой музыки.

 

А. Свиридова
кандидат искусствоведения,
профессор, заслуженный
работник высшей школы РФ