Камертон № 7

СОБЫТИЯ:

 

 

 IX МЕЖДУНАРОДНЫЙ ФЕСТИВАЛЬ
«ДНИ СОВРЕМЕННОЙ МУЗЫКИ В АСТРАХАНИ»

МЫСЛИ ВСЛУХ НА ФОНЕ КОНСТАТАЦИИ
В ЧЕТЫРЕХ ЧАСТЯХ С ПРОЛОГОМ И ЭПИЛОГОМ

(заметки о Днях современной музыки в Астрахани – 2009)

ПРОЛОГ

С 12 по 16 октября 2009 года в рамках Всероссийского фестиваля «Панорама музыки России» состоялся IХ Международный фестиваль «Дни современной музыки в Астрахани», организованный Союзом композиторов России, Министерством культуры Астраханской области, Астраханской государственной консерваторией, Астраханской государственной филармонией и Астраханским государственным музыкальным театром.
В нем приняли участие известные и еще ждущие своего признания композиторы, эпохальные авторы и молодые дарования. Среди участников, чьи произведения прозвучали на фестивале и вызвали неизгладимые впечатления у слушателей – председатель Союза компо-зиторов России, народный артист России, лауреат Государственной премии РФ Владислав Казенин, секретарь Союза композиторов России, доцент Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского Кирилл Уманский, секретарь Правления Союза московских композиторов Сергей Жуков, председатель Ассоциации современной музыки Украины, профессор Одесской консерватории им. А.В. Неждановой Кармелла Цепколенко, председатель Волгоградской организации Союза композиторов России, заслуженный деятель искусств России Анатолий Климов, председатель Ярославской организации Союза композиторов России Виктор Кожевников, председатель Астраханской организации Союза композиторов России Александр Рындин, композитор, пианист, профессор Нью-Йорского университета Ричард Джордж Кэмерон-Вольф, член Союза композиторов России, профессор Астраханской государственной консерватории, заслуженный деятель искусств России Юрий Гонцов, член Союза композиторов России, волгоградский композитор Степан Ростуни, член Союза композиторов России, преподаватель Музыкально-эстетического лицея г. Энгельс Алексей Павлючук, член Союза композиторов России, доцент Нижегородской государственной консерватории им. М.И. Глинки Владимир Холщевников, член Союза композиторов России, доцент Петрозаводской государственной консерватории им. А.К. Глазунова Вячеслав Кошелев, член Союза композиторов России, доцент Волгоградского муниципального института искусств им. П.А. Серебрякова, заслуженный деятель искусств России Юрий Баранов, член Союза композиторов России, преподаватель Саратовского колледжа искусств Игорь Дороднов. Также были исполнены произведения Александра Блинова, Томаса де Гартмана, генерального директора издательского дома «Композитор», секретаря Союза композиторов России Владимира Магдалица, председателя Ростовской организации Союза композиторов, доцента Ростовской государственной консерватории им. С.В. Рахманинова, дирижера Ростовского государственного музыкального театра Юрия Машина и члена Союза композиторов России, профессора Ростовской государственной консерватории им. С.В. Рахманинова, заслуженного деятеля искусств России Виталия Ходоша.
Программа включала в себя широкий спектр мероприятий: это и Мастер-классы участников фестиваля, и встречи композиторов со слушателями, и живые дискуссии о состоянии нынешней музыкальной культуры, о современной музыке и новаторских композиторских методах, техниках. Каждый из пяти дней фестиваля венчался большими концертными программами, проходившими в лучших концертных залах Астрахани – Большом зале Астраханской государственной консерватории и Концертном зале им. М.П. Максаковой Астраханской государственной филармонии. Наше внимание будет уделено этим концертным программам.

*******

ЧАСТЬ 1.
СИМФОНИЧЕСКИЕ ИСКАНИЯ

12 октября состоялось Открытие фестиваля. В своем приветственном слове Владислав Казенин отметил: «Я вновь счастлив побывать в Астрахани. Седьмой раз приезжаю сюда, и каждый мой приезд отмечен радостными событиями, прекрасной музыкой, общением – дружескими и профессиональными разговорами о Нашей музыке, Наших композиторах, Наших музыкантах. Я, вспоминая предыдущие фестивали, отмечу, что они стали событиями не только для музыкантов и любителей музыки Астрахани, но и всей нашей России. IХ фестиваль – это уже история, это уже целая книга, это – партитуры, клавиры… Из-за сложного времени мы нечасто сейчас встречаемся и то, что сюда приехали композиторы и музыканты из девяти городов России, а также из Украины, США, Чехии – это поистине событие, важная заслуга в организации которого принадлежит Министерству культуры Астраханской области, руководству и сотрудникам Астраханского музыкального театра, конечно, Астраханской консерватории и филармонии. Я думаю, что эти дни будут очень интересными и напряженными, поскольку в рамках фестиваля пройдут не только концерты, но и беседы, разговоры… Сегодня на Пресс-конференции мне задали вопрос: “А что такое современная музыка?”. Современная музыка – это все, что звучит сегодня вокруг нас . Нельзя однозначно сказать, что это все прекрасно… И именно мы с вами должны сказать, что, действительно, понравилось, какие направления появились в музыке современной России. На будущий год наша организация Союза композиторов отмечает 50-летие. В 1960 году Дмитрий Дмитриевич Шостакович, возглавивший этот Союз, сказал, что главная задача Союза – создать условия для того, чтобы Наши композиторы сочиняли, чтобы их произведения исполнялись. В добрый путь, фестиваль!».
Главным «героем» Открытия фестиваля стал Симфонический оркестр Астраханского государственного музыкального театра (дирижер – заслуженный работник культуры РФ Владимир Алатарцев). В его исполнении прозвучали Концерт для виолончели, струнного орке-стра и ударных Виктора Кожевникова, оркестровая пьеса «Натирающая благовониями» для двух флейт и струнного оркестра Александра Рындина (премьера), Симфония № 1 для камерного оркестра «Parallels» Кармеллы Цепколенко, сюита для симфонического оркестра «Детские игры» Анатолия Климова, «Охота» из балета «Темучин» Юрия Гонцова (премье-ра), Концерт для кларнета с оркестром Юрия Баранова и Сюита из балета «Коты в сапогах» Владислава Казенина. Следует отметить многообразие композиторских идей и средств их воплощения: в одном концерте удалось совместить, зачастую, несовместимое – элитарность и массовость, авангардизм и традиции.
В качестве первого номера фестивальной программы был избран Концерт для виолончели, струнного оркестра и ударных ярославского композитора Виктора Кожевникова, трагический в своей основе и определенно вызывающий ассоциации с произведениями 40-50-х гг. ХХ столетия Дмитрия Шостаковича. Использование звукового хаоса, возникающего в результате полифонического проведения ряда ритмических и мелодических остинато, и на его фоне стаккатных мелодических построений сближает стили этих композиторов. Упомянем и тот факт, что виолончель для Шостаковича – излюбленный инструмент. Следует отметить, что в произведении Кожевникова при общей четко выраженной двухчастной структуре, построенной по принципу «быстро-медленно», форма в целом предстала логически безупречной, словно каждый раздел, каждая тема или каждая интонация вытекает из предыдущей, создавая единое звуковое пространство. Весьма проникновенным, особо драматичным показалось соло виолончели, которое одновременно явилось и кульминацией композиции.
«Натирающая благовониями» – такое специфическое название имела пьеса для двух флейт и струнного оркестра Александра Рындина, имевшая на фестивале свое первое исполнение. В качестве солистов выступили – лауреат конкурса Вера Заплесвичко и Евгений Жуков. Согласно указаниям автора, перед исполнением сочинения должна быть прочитана молитва Ангелу Хранителю: «Ангеле Божий, хранителю мой святый, живот мой соблюди во страсе Христа Бога, ум мой утверди во истиннем пути, и к любви горней уязви душу мою, да тобою направляемь, получу от Христа Бога велию милость» (Тропарь, глас 6). Форма целого состоит из ряда в некоторых случаях разделенных паузами разделов; в свою очередь, разделы построены на горизонтальном (чередующемся во времени) или вертикальном (контрапунктически звучащем) движении тем, мелодий, интонаций, иногда – отправляющих в музыкальные контексты эпохи барокко, иногда – ультрасовременных, резких, диссонантных.

 Событием для астраханцев стало знакомство с творчеством одного из лидеров современ-ного украинского музыкального авангарда Кармеллы Цепколенко, произведения которой всегда отличаются особой идейностью, наличием концептуальных линий, остродраматическим содержанием. В Программке фестиваля значилось исполнение написанной ею в 1990 году Симфонии № 1 («Parallels») для камерного оркестра (с использованием фортепиано) – произведения, обладающего чертами инструментального театра, в котором должны были быть продемонстрированы особые отношения между оркестром и дирижером, самими оркестрантами и т.д. Однако, этого не произошло и Симфония-театр предстала перед публикой только посредством звуков, что, кажется, недопустимым фактом искажения авторской концепции. Это было совершенно иное произведение. Но даже и в таком исполнении достаточно мощно ощущался авторский стиль, собственное видение мира и способов его музыкального овеществления, что, в принципе, мало ощущалось в большинстве исполняемых в этот вечер сочинений. К. Цепколенко применяет весь мыслимый и немыслимый ряд технических средств, звукоизобразительности, средств музыкального и внемузыкального выражения. К последним можно отнести паузу, тишину, явившуюся в Симфонии отдельным «персонажем», способным, оказывается, «говорить» в некоторых моментах формы целого конкретнее, нежели музыкальное звуки.
Сюита «Детские игры» для симфонического оркестра волгоградского композитора Анатолия Климова внесла определенную «разрядку» в общий драматический/трагический тон концерта, заданный еще Концертом для виолончели В. Кожевникова. Сюита построена на интонациях русского фольклора, заключенного в формы, бытовавшие со времен традицион-ной русской классической школы. Такая опора на классические образцы пропагандирует одну из его композиторских задач – быть понятным простому слушателю, в частности, – детской аудитории. И эта задача в наше время, когда не только наметился, но и осуществился разрыв между автором и слушателем, когда элитарность музыкальных концепций и способов их воплощения достигла своего апогея, безусловно, важна! Каждый композитор волен избирать путь достижения своего слушателя и способы утверждения этого пути весьма разнообразны. Сюита «Детские игры» состоит из пяти разнохарактерных частей – «Медвежонок с балалайкой», «Сегодня пасмурно», «Кукольный танец», «Тихий час», «Кавалеристы».
Еще один композитор из Волгограда – Юрий Баранов – представил на суд публики свой Концерт для кларнета с оркестром, блестяще исполненный лауреатом всероссийских и международных конкурсов Виктором Смиховским (кларнет). В сочинении Ю. Баранова, возвратившем слушателей в мир драматических коллизий, сохранены признаки жанра концерта – партия солиста виртуозна, имеет собственную линию развития, поддерживаемую музыкально оркестром, сольную каденцию. Отмечу, что это произведение произвело ошеломительное впечатление на присутствующих в зале и еще не день оставалось объектом кулуарных общений.
Следующим, прозвучавшим на Открытии фестиваля, произведением стала сцена «Охота» из балета «Темучин» астраханца Юрия Гонцова. В основе балета – ряд событий из жизни монгольского полководца, основателя единого Монгольского государства Чингисхана (Темучина). Представленная сцена, – по-видимому, сцена охоты Темучина, – полна звукоизобразительных элементов. По-импрессионистски загадочно и светло начало сцены. Общее же настроение «Охоты» внутренне наполнено разнородными элементами: здесь представлены и лирические разделы, и драматические эпизоды. Все вместе представляет собой достаточно оригинальную звукоизобразительную картину.
Концерт симфонической музыки завершился Сюитой из балета «Коты в сапогах» Владислава Казенина. В Сюите шесть частей – «Коты и кошки», «Город просыпается», «Утро», «Принцесса и Иван», «Танец маленьких котят», «Галоп» – шесть ярких музыкально-характеристичных эпизодов. Язык музыки прост, возможно, в связи с причиной направлен-ности сочинения на конкретную аудиторию; временами вызывает ассоциации с произведениями Д. Гершвина («джазовость» пьесы «Город просыпается», начальный мелодизм пьесы «Утро»), А. Петрова (лирический тематизм и способы мелодической имитации в «Танце маленьких котят»). В пьесе «Утро» также присутствуют черты инструментального театра: во время исполнения оркестранты произносят слово «Мяу!». Этот прием способствует внешней событийности благодаря подключению голосовых аппаратов самих инструменталистов. Сюита В. Казенина вызвала интерес присутствующих на концерте слушателей именно благодаря своей открытости, можно даже сказать, – массовости.  
Следует отметить, что данный симфонический концерт отразил основные веяния, происходящие сейчас в области мировой симфонической музыки в целом – стремление композиторов (за некоторым исключением) к выражению субъективных эмоций, пришедшие в связи с этим камернизацию симфонических жанров и уменьшение оркестровых составов, а также тяготение авторов к программности – скрытой или явной, общественной или индивидуальной.

*******

ЧАСТЬ 2.
В КАМЕРНОМ ЖАНРЕ

13 и 14 октября на сцене Большого зала Астраханской государственной консерватории состоялось два вечера камерной музыки, программа которых отличалась разнообразием не только музыкальных жанров, но и стилистических подходов к феномену музыки как искусству.
13 октября были исполнены следующие сочинения – «Современная колыбельная» Александра Блинова, «Roerich Rhapsody-Liaison» Ричарда Кэмерона-Вольфа, Соната № 2 для фортепиано Томаса де Гартмана, «Садовник и смерть» Сергея Жукова, «Andante amoroso» Александра Рындина, «Отражение отражения» Степана Ростуни и Квартет для двух скрипок, альта и виолончели Алексея Павлючука.
Творчество недавно ушедшего из жизни композитора Александра Блинова (1945-2006) – первого председателя Астраханской организации Союза композиторов, лауреата премии им. Д. Шостаковича – широко известно не только в Астрахани, но для астраханцев его имя связано, прежде всего, с фестивалем «Дни современной музыки в Астрахани», ведь именно он стоял у истоков этого фестиваля. «Современная колыбельная» А. Блинова, написанная на стихи М. Траата, была исполнена лауреатом всероссийского конкурса Михаилом Великановым (баритон) и Людмилой Курцберг (фортепиано). Несмотря на то, что сочинение было написано в 1975 году, его актуальность не исчерпала себя – как на уровне вербальном (любой философский смысл не может быть изжитым), так и на музыкальном уровне (смелый музыкальный язык, элементы репетитивной техники, речитация вокальной партии в угоду повествовательности).
Два следующих произведения, прозвучавших в первом концерте камерной музыки, принадлежат американским авторам – Ричарду Кэмерону-Вольфу и Томасу де Гартману (1885-1956). Многие представители американской музыкальной культуры ХХ века по справедливости считаются лидерами в области новаций – достаточно вспомнить творчество Ч. Айвза, Д. Кейджа, Г. Коуэлла, Ла Монте Янга, М. Фелдмана, Ф. Гласса, Д. Крама, Ф. Ржевски. В ракурсе этих новаций воспринимаются произведения и тех авторов, которые были представлены на астраханской сцене. Прозвучавшая «Roerich Rhapsody-Liaison» Ричарда Кэмерона-Вольфа – рапсодия для виолончели и фортепиано на тему из оперы «Рерих», над которой композитор работает в настоящее время и планирует завершить ее в следующем году. Рапсодия, являющаяся, по словам композитора, свободной фантазией на сюжет оперы, была исполнена Светланой Сизовой (виолончель) и Анжелой Гасратовой (фортепиано). Следует отметить, что Рапсодия внутри своего стилистического каркаса плюралистична: ее начало выявляет свою причастность к минималистской эстетике (в партии фортепиано – лишь ритмические форманты), жесткость и авангардность последующего материала внезапно (а затем – в ряде эпизодов) прерывается четко мелодически оформленной темой, вызывающей ассоциации с романтическими идеалами. В целом, Рапсодия, как, скорее всего, и опера – произведение полистилистическое, совмещающее в себе ряд композиционных техник, впрочем, как и вся американская культура постмодернистского периода. Все не ново, но новое сочетание вызывает, как минимум, определенную, как правило, спонтанную реакцию, а раз вызывается реакция, деятельность автора не является напрасной. В исполнении Ричарда Кэмерона-Вольфа прозвучала Соната № 2 для фортепиано композитора первой половины ХХ века Томаса де Гартмана.
Это последнее произведение в творческом наследии автора, может восприниматься как итоговое и отражает искания американских композиторов середины ХХ столетия в области тонального мышления и гармонии. Хотя по тематизму она – славянская: композитором в ка-честве тематизма используется материал, написанный в духе русского и украинского фольклора, поскольку сам де Гартман является выходцем из Украины. Драматичная по образному наполнению Соната политональна: левая рука имеет свою тональность, правая – свою, в связи с чем достигается ряд акустически красивых моментов. Философская подоплека Сонаты заключена в том, что де Гартман попытался в ней средствами музыки запечатлеть четвертое измерение – на это указал исполнитель Сонаты Р. Кэмерон-Вольф. Возникает вопрос: а что композитор понимает под «четвертым измерением»? По крайней мере на музыкальном уровне этот вопрос не получил должного ответа и какой бы то ни было доказательной реализации. Идея (философская подоплека) музыкально осталась не раскрытой. Когда слушаешь произведение, зная о его скрытой программе или озвученной перед исполнением, невольно стараешься ощутить воплощение этой программы, а когда этого не происходит, возникает мысль: зачем провозглашать идею композитора? Ведь слушая сочинение без текстового разъяснения и указаний на концепты авторской программы, тем более, когда музыка не подтверждает идейность, его можно адекватно воспринять, индивидуально, в рамках собственных эмоций и внутренних «программ». Это не единственный пример такого рода произведений в рамках проходивших «Дней современной музыки в Астрахани»...
Все, что совмещает в себе музыкальный ряд с визуальным априори вызывает больший интерес у публики. Стремление к открытой программности, к желанию преодолеть пропасть между музыкой и современным слушателем спровоцировало синтез этих рядов и появление в ХХ веке такого жанра как музыкальный перформанс, основными выразителями которого стали инструментальный театр, вокальный (хоровой) театр и вокально-инструментальный театр. Прозвучавшее на фестивале произведение «Садовник и смерть» Сергея Жукова – вокально-инструментальный театр, сцена (авторский подзаголовок), репрезентирующая музыкальный перформанс. В его осуществлении приняли участие контратенор (лауреат международных конкурсов Рустам Яваев), виолончель (Анна Литвинова) и танцор (Рубин Яваев). В основе сцены – стихи голландского поэта П.Н. ван Эйка:
Персидский дворянин:
Сегодня утром ко мне в дом вбежал мой садовник,
бледный от страха: «Господин, Господин, одну секунду!
Там, в Розовом саду я стриг росток за ростком
и вдруг оглянулся. За мной стояла Смерть.
Я испугался и поспешил в другую сторону.
Но при этом успел заметить ее угрожающую руку.
Вашу лошадь, Господин! И дайте мне
во весь опор умчаться. До вечера еще достигну Исфагана».
Днем, уже после того, как садовник исчез,
в кедровом парке повстречался я со Смертью.
«Зачем?» – спросил я, а она молча ожидала.
«Ты утром угрожала моему слуге?»
Улыбаясь, она ответила: «Не от угрозы
бежал садовник твой, я была удивлена,
увидев утром спокойно работающим здесь того,
кого я вечером должна была забрать с собой в Исфагане».
Драматический тон поэтического текста естественным образом воплощен музыкально и сценически. Все музыканты, находящиеся на сцене, помимо своих основных обязанностей вести музыкальную/хореографическую линию, прибегали к особым приемам театрализации исполнительского процесса, были облечены в костюмы.
«Andante amoroso» для двух скрипок и фортепиано Александра Рындина – произведение, которое то ли по задумке автора, то ли по трактовке исполнителей (Сергей Романов (скрипка), Елизавета Бабурина (скрипка) и Ирина Козак (фортепиано)) предстало в романтическом духе: шопеновская ноктюрновая фактура, плавные и глубокие приемы звукоизвлечения пассажей и мелодий… Несмотря на присутствие диссонансов, говоривших о времени сочинения композиции, «Andante amoroso» воспринималось как ностальгия по ушедшим эпохам, по романтическим идеалам с их состоянием лирической умиротворенности.
Ярким контрастом оказалось следующее сочинение – «Отражение отражения» Степана Ростуни. Импульсом к его созданию послужила картина маленькой армянской девочки, выполненная в черном цвете. Композитора поразил взгляд еще юного создания на мир, на катастрофы, происходящие в нем, в частности, связанные с землетрясениями. «Отражение отражения», прозвучавшее в исполнении самого автора (фортепиано), предстало произведением драматическим – сопоставление диссонансов и ритмических формант с использованием пунктира, экспрессивная динамика, применение препарации и игра на струнах инструмента, внутренний психологизм и внешняя событийность способствовали общему состоянию психологической раздавленности. Естественно, что приемы, использованные С. Ростани в пьесе – не новы (препарация впервые появилась у Кейджа, ритмические форманты – у американских минималистов, игра на струнах фортепиано применялась в творчестве ряда композиторов, начиная с самого начала ХХ века), но все они направлены на воплощение конкретного образа и логично обоснованы самой концепцией.
Классический состав струнного квартета был использован в Квартете для двух скрипок, альта и виолончели Алексея Павлючука – композитора, как правило, экспериментирующего с инструментальными составами. На этом, в принципе, «классичность» опуса А. Павлючука закончилась. Уже с первых звуков стало понятно, что перед слушателем – звучание современного мира, навеянное современными мировыми и личностными обстоятельствами. Композитором использованы все мыслимые приемы звукоизвлечения из инструментов, да и сам звукокомплекс Квартета, преимущественно диссонантный, включал в себя набор всевозможных, но сбалансированных в акустическом соотношении звуков, созвучий. Стоит отметить и тонкое проникновение исполнителей (лауреат всероссийского конкурса Ирина Барабанова (1-я скрипка), лауреат регионального, дипломант российского конкурса Надежда Гольчикова (2-я скрипка), Всеволод Гонцов (альт), Анна Литвинова (виолончель)) в трагедийную авторскую концепцию.
Заслуга организаторов фестиваля в том, что этот концерт, да и каждый из представленных в программе мероприятия, отличался логичной «компоновкой»: разные исполнительские составы, ансамбли, контраст идей, отсутствие образной монотонности способствовали повышенному вниманию со стороны профессиональной и любительской публики, ожиданию очередных контрастов и сюрпризов.
14 октября состоялся второй вечер камерной музыки. Открывала его заслуженная артистка России московская пианистка Ирина Николаева. В ее исполнении прозвучал ряд произведений современных композиторов – «Признание» Владимира Магдалица, «Три портрета» Александра Рындина и Два этюда Владислава Казенина.
Имя Владимира Магдалица широко известно в России. Он является автором нескольких музыкально-театральных (в частности, балета «Тамань» по произведениям М. Лермонтова), симфонических (Концерт «Венок сонетов» для фортепиано с оркестром), смешанных в жанровом отношении (Симфония-реквием) произведений. Приверженец поэтических тек-стов и форм, В. Магдалиц соотносит формы музыкальные с формами поэтическими. Фортепианный цикл «Признание» имеет авторский подзаголовок – «Пять стихотворений для фортепиано» и построен по принципу контраста. 1 и 2 стихотворения – сосредоточенно-лирические по образу, напоминающее лучшие позднеромантические образцы музыки С. Рахманинова (по фактуре, по типу кульминации, по соотношению ритмических секций между первой и второй строчками партитуры). 3 стихотворение – более оживленное, вызывающее ассоциации с танцевальностью салонов ХIХ века. 4 стихотворение – самое лиричное из всех, в тоже время лирика, представленная здесь, весьма драматична, наполнена внутренними переживаниями, 5 стихотворение – оживленное и, пожалуй, самое трудное для исполнения в техническом отношении.
«Три портрета» Александра Рындина предстают своеобразной музыкальной характеристикой лидеров астраханской организации Союза композиторов России: 1 пьеса – «Гончиссимо» (портрет Юрия Гонцова), 2 пьеса – «Экспромт на тему AB» (портрет Александра Блинова), 3 – «Автопортрет». В каждой из пьес композитор использует темы-монограммы. В своем вступительном слове перед началом исполнения этого произведения ведущая концерта музыковед Юлия Скрипченкова советовала прислушаться к музыкальным портретам и попробовать соотнести музыкальные характеристики «Трех портретов» с характеристикой указанных личностей – трех астраханских композиторов. Действительно, прислушавшись можно узнать в музыке характеры людей и даже их музыкальные вкусы. Охарактеризуем лишь музыкальную составляющую пьес – их образы и музыкальный язык. Так, Портрет № 1 первоначально отличается определенной строгостью, регистровой контрастностью, в даль-нейшем превращающихся в движение бушующих сил. Аналогичная процессуальность предстает и в Портрете № 2 – «мудро-авангардный» тон сменяется «рефлекторно-авангардной» стихией. Портрет № 3 – уже не взгляд со стороны, а взгляд изнутри. Здесь проявляется поли-стилистика – сочетаются аллюзии (преднамеренные или непреднамеренные!?) на образцы известных музыкальных тем с джазовыми ритмами, гармониями, с элементами современного авангардного языка. «Три портрета» – одно из ярких произведений концерта в целом.  
Два этюда для фортепиано из цикла «Этюды на интервалы» Владислава Казенина – пьесы виртуозные, стремительные по темпу, своеобразные по колористическому наполнению. Первый из них – Этюд на секунды – представляет собой с исполнительской точки зрения ряд всевозможных пассажей, состоящих из секунд, преимущественно, хроматических. Второй – Этюд на сексты – более драматичен в образном отношении, длителен по времени звучания и сложен в техническом плане. В целом, И. Николаева продемонстрировала отличное владение техникой, глубокое проникновение в образный потенциал каждого из сыгран-ных ею опусов.
В исполнении Леонида Бутакова (балалайка) и лауреата всероссийских и международных конкурсов Натальи Муравьевой (фортепиано) прозвучала «Соната зимы» для балалайки и фортепиано Юрия Гонцова. Соната посвящена заслуженному артисту России, профессору Красноярской государственной академии музыки и театра Владимиру Александровичу Аверину, некогда – преподавателю Астраханской консерватории. На первый взгляд Соната эпизодична, причем каждый из эпизодов имеет свое начало, свое развитие, свою кульминацию. В ней представлены и стремительные эпизоды, в которых главную образующую роль играет ритм с переакцентировкой долей, в частности, синкопа, и мелодизированные лирические эпизоды, написанные, соответственно, в более медленных темпах. Однако, эта эпизодичность искуснейшим образом скреплена в единую форму сквозного развития.
Струнный квартет с ксилофоном и вибрафоном Владимира Кошелева был исполнен на фестивале лауреатом всероссийского конкурса Ириной Барабановой (1-я скрипка), лауреатом регионального, дипломантом российского конкурса Надеждой Гольчиковой (2-я скрипка), Павлом Гришиным (альт), Анной Литвиновой (виолончель) и Виктором Волосатовым (ударные). Звучание квартета осуществлено достаточно оригинальным исполнительским составом – струнный квартет и ударные. В данном контексте стоит отметить, что В. Кошелев – композитор, экспериментирующий с исполнительскими составами, сочиняющий для всевозможных ансамблевых групп, ищущий в этих экспериментах свое собственное я. Квартет – произведение драматическое, в котором особую роль играют диалоги между инструментами, а диалогичность как драматургический прием в современной музыке практически не используется. В этом – воплощение традиций при игре в ансамблевой музыке. В остальном же Квартет – сочинение современного мира, порожденное трагическим мировосприятием.
Следующее произведение, прозвучавшее на концерте, – Соната-фантазия «Kammermusicus» Владимира Холщевникова. Это звание придворного музыканта в свое время носил В.А. Моцарт, на ассоциации с которым наталкивает не только название произведения, но и его музыкальный язык: в «Kammermusicus» можно выделить два пласта, тесно связанных между собой не только в горизонтальном отношении (чередование во времени), но и в вертикальном (наложение во времени) – пласт современных средств выражения, современных образов и пласт, отсылающий в далекое прошлое – во времена Моцарта. Например, в стиле той эпохи, с использованием той гармонии, тех соотношений созвучий звучат некоторые каденции, которые в современности могут вообще отрицаться. Лейттембром произведения становится звучание двух колокольчиков, являющиеся «вторым» инструментом каждого из ансамблистов. Стоит отметить и безукоризненное технически точное и эмоционально-обдуманное исполнение «Kammermusicus» лауреатом международных и всероссийских кон-курсов ансамблем «Арс мобиле» (Нижний Новгород) в составе Юрия Гуревича (баян) и Натальи Тельминовой (виолончель).
Завершали второй концерт камерной музыки произведения Кирилла Уманского. Пер-воначально в исполнении Ирины Барабановой (скрипка) и автора (орган) была исполнена пьеса «Остров Мантсинсаари», соответственно, для скрипки и органа. Эта пьеса входит в цикл композитора «Острова» для солирующих инструментов и ее образным содержанием, как и всего цикла, скорее, служит не столько изобразительность и внешние впечатления от пейзажности острова, сколько, по словам композитора, соприкосновение с неким оазисом, чистотой, заповедностью как категории, не требующей вторжения. «Остров Мантсинсаари» – в образном отношении драматически-сдержанная, в исполнительском – технически слож-ная пьеса, требующая от ансамблистов не просто умение вдумчиво понимать и исполнять современную музыку, но и полностью погружаться в ее особый, как правило, символьно-смысловой мир. Такого рода требования, в принципе, предъявляет большинство композиций, представленных на фестивале. В завершение концерта в исполнении автора прозвучала «Фантазия для органа памяти Николая Сидельникова». Н. Сидельников – учитель К. Уманского по композиции в Московской консерватории. Представленная фантазия состоит из трех частей – «Прелюдия», «Фуга» и «Речитатив». Первые две части – музыкальный портрет Сидельникова, «Речитатив» – слово от автора. «Прелюдия» фрагментарна, состоит из ряда музыкальных фрагментов, контрастных как по темпу, так и по динамике, а, соответственно, и по образному наполнению. «Фуга» несколько нервна, рефлекторна, но именно эти качества заставляют слушателя вникать в концепцию целого. Последующий после динамического накала «Фуги» «Речитатив» воспринимается как обобщающее раздумье о жизни, о личности Учителя.

ЧАСТЬ 3.
НАРОДНАЯ

15 октября на сцене Концертного зала им. М.П. Максаковой Астраханской государственной филармонии состоялся Концерт оркестра русских народных инструментов (его скрытая, но возможная аббревиатура – КОРНИ – прямо указывает на то, что русская народная музыка и русский народных оркестр – это наши музыкальные корни). Дирижер оркестра – Леонид Егоров. Не случайно, что этот концерт открывало произведение, посвященное памяти недавно ушедшего из жизни Вячеслава Махова, астраханского дирижера, долгое время руководившего оркестром народных инструментов – «Каприччио памяти Вячеслава Махова» для малой домры, альтовой домры и баяна (исполнители – Динара Кенжигалиева, Александра Сагайдакова и Сергей Шипицын, соответственно). Его автором стал Юрий Гонцов. Юрий Петрович – профессор кафедры народных инструментов консерватории – безупречно владеет техникой написания произведений именно для народных исполнительских составов, народного оркестра. В «Каприччио» были задействованы все исполнительские приемы игры на указанных инструментах, а применение разных приемов и техник, в свою очередь, исходило из необходимости воссоздать ту сложную образную атмосферу, которую изначально прогнозировал композитор. Произведение сложно не только в исполнительском отношении, но и в плане содержания: оно эмоционально насыщено, изобилует контрастами, но постепенно по принципу «всеобщего» diminuendo истаивает в звуках тишины. Возможно, это связано с посвящением…
А вот следующее произведение (Игорь Дороднов. Концерт для оркестра Русских народных инструментов) имеет иную направленность. Построенное по принципу симфонического развития, оно содержит в себе бифуркацию двух образов – жизни и смерти или человека и судьбы. И контрастность этих образов составляет основу драматургии традиционной формы Концерта, проявляется на всех уровнях: даже внутри одного раздела формы – в рамках отдельной музыкальной темы (а в этом сочинении тематический материал существует в своем традиционном понимании!) наличествует полярность двух или более фраз, например, написанных в разной динамике, внутри фраз – контрастность тембральная, внутри тембров – ритмическая и т.д.
Следом публике было представлено новое, написанное в 2009 году, сочинение Юрия Гонцова – «Астраханский концерт (русский)» для баяна с оркестром (солист – лауреат международного, дипломант российского конкурсов Константин Смородин). Концерт является первой частью триады под общим названием «Астраханские концерты». Начинается Концерт довольно «скромно» в образном отношении, по средствам музыкальной выразительности: главным предстает одноголосное и полифоническое проведение тем, ассоциативно олицетворяющихся с русским фольклором. Постепенно происходит выдвижение на лидирующее положение диссонантности, громкостной динамики и темы, ассоциирующиеся с напевностью русского фольклора, модифицируются, искажаются, приобретая трагический окрас. В процессе драматургии важную роль начинают играть ударные инструменты, с их появлением усиливается драматическая образность. До конца произведения композитор держит слушателя в напряжении. И даже когда явный драматизм спадает и в акустическом пространстве остается лишь звучание баяна (высокий регистр), напряжение не спадает. Стоит отметить, что «Астраханский концерт (русский)» для баяна с оркестром Ю. Гонцова – если не самое яркое, то, безусловно, одно из самых ярких сочинений, прозвучавших в этот вечер. 
Две «Прелюдии» для оркестра народных инструментов Алексея Павлючука. Композитор, экспериментирующий в области тембра, обратился к инструментарию народного оркестра лишь в 2001 году. Но, по признанию автора, он стремился к тому, чтобы звучание не было трактовано и воспринято как звучание народного оркестра, чтобы традиционный со-став обогатился новыми средствами музыкального тембра. Такой подход, действительно, продемонстрировали обе прелюдии. Прелюдия № 1 по-импрессионистски красива, медленна, но не решена драматической подоплеки. Прелюдия № 2 – более событийна, драматична; в ней более явно присутствуют контрастные элементы, а кода и вовсе потрясает особой красочной тембральностью.
Чрезвычайно положительное впечатление оставила и пьеса «ОРНИзация» Степана Ростани – композитора уже удивившего несколько дней назад концепцией и исполнением сво-ей пьесы «Отражение отражения». Посвящено Галине Иванковой – руководителю оркестра народных инструментов г. Волгоград. Ведущая концерта в своем вступительном слове ука-зала на пейзажность сочинения, отметив, что кто-то может «распознать» в музыке картины кавказских гор, кто-то – журчащие ручьи цветущей долины… Но музыка, психологически наполненная, вызывает эмоции далеко не пейзажного характера. Если это и пейзаж, то воспринятый весьма субъективно, поскольку сочинение полно драматических элементов, обрисованных сопоставлением громких и тихих созвучий, постоянными crescendo и diminuendo, диссонантностью, яркими и необычными сочетаниями звуковых тембров.  
В завершении концерта было исполнено «Интермеццо» Юрия Баранова, посвященное памяти Николая Калиникова и вызывающее своим ярким мелодичным тематизмом, отчетливыми музыкальными формами ассоциации с лучшими образцами музыки для оркестра на-родных инструментов прошлого. Аллюзия (или иллюзия?) была с радостью принята большей частью публики.

 

Часть 4.
ХОРОВАЯ

Закрытие IХ Международного фестиваля «Дни современной музыки в Астрахани» со-стоялось 16 октября 2009 года в Большом зале Астраханской государственной консервато-рии и было ознаменовано Концертом хоровой музыки. Программу как всегда блистательно и эмоционально вела заслуженный деятель искусств России, профессор кафедры хорового дирижирования Любовь Власенко.
Лауреат Всероссийского конкурса Камерный мужской ансамбль «Скимен» (дирижер – Алексей Юрченко) исполнил «Стихиру на целование Плащаницы» (по канонам исполняется в страстную субботу перед Постом) Александра Рындина – полифоническое произведение, включающее великолепно мелодически оформленные канонические имитации. А. Рындин давно пишет духовную хоровую музыку и каждое его произведение, написанное в данном жанре, привлекает внимание, как и исполнителей разного уровня, так и слушателей.
Два фрагмента из «9 молитв на стихи русских поэтов» Юрия Гонцова исполнил камерный мужской хор Астраханской государственной филармонии (дирижер – Алексей Юрченко). В качестве литературных источников композитором были избраны тексты молитв русских поэтов. А в исполнении хора Астраханского музыкального колледжа им. М.П. Мусоргского (дирижер – заслуженный работник культуры России Нинель Никитина) прозвучали хоровые сочинения светской направленности: «Возрождение» (из цикла «9 хоров на стихи А.С. Пушкина») Анатолия Самонова, «Ночевала тучка золотая» (на стихи М.Ю. Лермонтова) Виталия Ильина и маленькая поэма «Моя Астрахань» для женского хора a cappella (на стихи О. Горячко и Ю. Гонцова) Юрия Гонцова. Это сочинение было написано компо-зитором год назад – к 450-летию г. Астрахань.
Два хора из цикла «Отзвуки сердца» (на стихи Сергея Есенина) волгоградского композитора Анатолия Климова, пьеса «Начало» Сергея Ростуни необыкновенно профессионально исполнил муниципальный хор «Лик» (дирижер – Татьяна Рекичинская). «Начало» С. Ростуни показалось самым ярким номером хорового концерта в целом. Ярким, может быть, по параметрам, тяготеющим к исполнительской театральности, вызывающей, безусловно, дополнительный интерес у публики. Эта пьеса – типичный пример хорового театра, в котором каждый звук, тембр, фраза являются отдельным персонажем, а их сочетание в единое целое воспринимается как некий событийный процесс, творящийся на сцене. В данном случае Ростуни – продолжатель музыкального театра Маурисио Кагеля, также практиковавшего подобную реалистичность. В качестве музыкальных формант здесь используются не только интонации и мелодии, но и вымышленные фонемы, произносимые шепотом, говорком или пропевающиеся.
Несколько следующих произведений, прозвучавших на концерте, написаны композиторами Ростова-на-Дону: в исполнении хора Астраханской государственной консерватории (дирижер – Любовь Власенко, концертмейстер – Анжела Гасратова) прозвучал драматический в своей основе «Te Deum» для смешанного хоря и фортепиано Юрия Машина и фраг-менты Кантаты для солистов и смешанного хора без сопровождения на стихи А. Пушкина, Б. Пастернака и тексты православного богослужения «По прочтении “Архиерея” А.П. Чехова» Виталия Ходоша. Исполнение последнего сочинения было посвящено памяти недавно ушедших из жизни астраханских музыкальных деятелей – композитора Александра Блинова, дирижеров Вячеслава Махова и Фарида Сепкулова. Также в исполнении хора Астраханской консерватории были исполнены 4 хора a cappella «Времена года» (на стихи А. Фета» Владимира Магдалица. В основе первого хора («Зима») – текст стихотворения «Ночь светла», основе второго («Весна») – «Я пришел к тебе с приветом…», третий хор («Лето») написан на текст стихотворения «Шелест, робкое дыханье…», четвертый хор («Осень») – «Еще вчера на солнце млея…». Цикл «Картины природы» Алексея Павлючука, написанный на тексты стихотворений разных поэтов, был представлен на концерте двумя номерами: на текст А.С. Пушкина «Осень» и Б. Пастернака «Мело, мело по всей земле…».
Завершился концерт и фестиваль в целом премьерой Поэмы для тенора, смешанного хора и двух фортепиано «Россия» (на стихи А. Белого) Александра Рындина. В исполнении Поэмы приняли участие: сводный хор Астраханской государственной консерватории и Астраханского государственного музыкального театра (хормейстер – заслуженный деятель искусств России Галина Дунчева), Сергей Тарасов (тенор), Анжела Гасратова и Татьяна Легенькая (фортепиано). Славление России достойно завершило мероприятие, по своей сущности являющееся не только событием в жизни астраханцев, но и всей России!

ЭПИЛОГ

Хочется надеяться, что данный фестиваль – не последний в истории астраханской, всероссийской музыкальной жизни и он сумеет удержать свою уже, безусловно, достигнутую наивысшую планку и свой международный статус даже в условиях современного мира – мира финансовых и эстетических кризисов. А уж публика по традиции не останется равнодушной к такому замечательному событию, как «Дни современной музыки в Астрахани». Остается ждать продолжения…

 

В.О. Петров
кандидат искусствоведения,
преподаватель кафедры теории и истории музыки